Como ya prometí en la entrada anterior, dedicada también a La Divina Comedia, traigo hoy una entrada especial de verano: las mejores ilustraciones de la obra de Dante por parte de grandes artistas e ilustradores de todas las épocas: Gustave Doré, Alessandro Vellutello, Botticelli, Salvador Dali, John Flaxman y Yates Thompson.

Me hubiera gustado traer también las ilustraciones de Miquel Barceló, pero no ha sido posible. Otra vez será.

Gustave Doré:

Purgatorio:

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Infierno:

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Paraiso:

Alessandro Vellutello:

Purgatorio:

Infierno:

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Paraiso:

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Botticelli:

Purgatorio:

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Paraiso:

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Varias:

Salvador Dali:

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Paraiso:

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John Flaxman:

Purgatorio:

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Paraiso:

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Yates Thompson:

Purgatorio:

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Infierno:

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Paraiso:

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Pequeña selección de cartelería propagandística del régimen soviético.

Más carteles.

Luis Moya Blanco (Madrid, 1904 – 1990) se formó como arquitecto en la Escuela de Madrid y en el estudio de Pedro Muguruza. En 1942, Luis Moya publicó en la revista de Falange, Vértice, su proyecto para Sueño arquitectónico, monumento piramidal a la muerte y la exaltación nacional. A partir de entonces elije el lenguaje clásico, tomando como modelo a los neoclásicos Ledoux y Villanueva, y se enfrenta al Movimiento Moderno.

Entre sus obras más conocidas están la reforma del Teatro Real y el Museo de América en Madrid, la Gran Cruz del Valle de los Caídos, y las Universidades Laborales de Gijón y Zamora, así como iglesias y edificios escolares, sobre todo para los marianistas. En 1953 fue elegido Académico de Bellas Artes. De 1960 a 1963 fue redactor jefe de la revista Arquitectura, y entre 1963 y 1966, director de la Escuela de Arquitectura de Madrid.

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Al parecer, una de las pocas barajas disponibles en la Rusia sovietica estaba inspirada en ilustraciones mayas, realmente curioso.

Más información aquí.

(Gracias a Ritxi por ponernos en la pista de esta pequeña joya)

Egon Schiele fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.

Texto: Wikipedia

(Imágenes seleccionadas por Pablo Fernandez Guerrero)

Recopilación de dibujos eróticos realizados por Picasso a lo largo de toda su trayectoria profesional.

(No tienen nada que ver con la exposición de grabados eróticos realizada por el Museo Picasso de Barcelona en el 2009.)

Sobre Picasso en Artehistoria:

Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial.

Nació en Málaga en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo.

Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo.

Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas.

El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar.

Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

-Gracias al “otro” Pablo por regalarme este libro, -

Los grabados de Gérard Trignac (Burdeos, 1955) contienen abigarradas vistas de ciudades imposibles: templetes clásicos junto a chimeneas fabriles, acueductos semiderruidos perdidos entre una maraña de tuberías y raíles de tren, arcos de triunfo junto a desfiladeros de espanto, embarcaderos abandonados, terrazas y balaustradas absurdas. Son estampas que delatan sin sonrojo su filiación: la exquisitez técnica de Gustave Doré, la fantasía de las vedute y las carceri dePiranesi, o los sueños frondosos de Rodolphe Bresdin. El paisaje urbano como metáfora moral o existencial, y como expresión del estado de ánimo: no es casual que Trignac haya ilustrado Las ciudades invisibles de Italo Calvino. Ingeniería y arquitecturas de grandes aspiraciones, y sin embargo desiertas. Lugares remotos, en el espacio y en el tiempo. Estas imágenes, decadentes en el abandono, dramáticas en los poderosos contraluces, engrosan el cauce caprichoso y accidentado de un arroyo apartado que fluye remontando su curso.

Fuente y texto: Maquinaria de la nube

Más imágenes en la página oficial de Gérard Trignac

Ya os traje el manuscrito original de Alicia en el país de las Maravillas, con las ilustraciones originales de Lewis Carroll. En esta ocasión os traigo las ilustraciones realizadas por Arthur Rackham, un ilustrador de cuentos de principios de siglo XX.

Arthur Rackham (19 de septiembre de 1867 – 6 de septiembre de 1939) fue un creativo ilustrador de libros inglés.

Nació en Londres en el seno de una familia con 12 hijos. A los 18 entró como oficinista en la Westminster Fire Office, al par que estudiaba en la Escuela de Arte Lambeth. En 1892 dejó el trabajo de oficinista y comenzó a colaborar con The Westminster Budget, como reportero e ilustrador. Sus primeras ilustraciones fueron publicadas en 1883. Desde ese momento hasta su muerte en 1939 ilustró innumerables libros.

En 1903 se casó con Edyth Starkie, con quien tuvo una hija, Barbara, en 1908.

Rackham ganó una medalla de oro en la Exhibición Internacional de Milán en 1906 y otra en la Exposición Internacional de Barcelona en 1911. Sus trabajos fueron antologados en numerosas exhibiciones, incluyendo una en el Louvre en París en 1914.

Arthur Rackham murió en 1939 de cáncer en su casa de Limpsfield, Surrey.

Entre sus trabajos más conocidos figuran libros infantiles como los Cuentos de los hermanos Grimm (1900), Rip van Winkle (1905), Peter Pan (1906) y Alicia en el país de las maravillas (1907), entre otros. Pero también realizó ilustraciones para libros orientados hacia lectores adultos, como El sueño de una noche de verano (1908), Undine (1909), The Rhinegold and the Valkyrie (1911) y otros libros de cuentos de hadas, además de varias sobre los relatos de Edgar Allan Poe.

Frank Pape Cheyne nació en Inglaterra (1878-1972), sus primeros trabajos datan de principios del XX como “Children of the Dawn” (Los niños del Alba) o The Story Without End (La Historia sin fin), muy influenciados por artistas como Walter Crane, Rackham, Dulac y otros de la década de los 90. Realizo ilustraciones para muchos libros de cuento de hadas como: The Ruby Fairy Book, The Diamond Fairy Book, The Russian story book asi como The Way of Ecben (1929) y Domnei (1930).

Presentamos aquí “The Russian story book” en una edición de 1916 que recopila cuentos clásicos rusos de varias regiones entre ellas de Kiev y Novgorod, con 16 ilustraciones.

Texto de: www.odisea2008.com

Ver obra completa: aquí

El Codex Seraphinianus es un libro escrito e ilustrado por Luigi Serafini nacido en Roma el 4 de agosto de 1949. Comenzó su carrera como arquitecto, pero es famoso alrededor del mundo por sus propuestas artísticas un poco fuera de lo normal. Además del codex, también es autor de la “Pulcinellopedia Piccola”.

Durante treinta meses transcurridos entre 1976 y 1978, el arquitecto italiano Luigi Serafini dio forma al Codex Seraphinianus, un libro ilustrado de casi 400 páginas sobre un mundo inventado, escrito en la lengua y el alfabeto de dicho mundo. Es una extraña enciclopedia escrita en un lenguaje inventado e indescifrable sobre temas tan variopintos como botánica, zoología, máquinas, razas, deportes y costumbres de un mundo imaginario que parece salido de una pintura de El Bosco, Escher, Dalí o Magritte.

Serafini opera en varios ambientes: ha trabajado en escultura, cerámica, composición, teatro, etc., y además tuvo una breve incursión en el diseño industrial ligado al cine -trabajó en ciertos diseños para la película de Federico Fellini, “La voce della luna”, con Roberto Benigni y Paolo Villaggio. Además de ser escritor para varias revistas italianas.

El idioma del codex es 100% inventado, pero algunos criptógrafos y especialistas señalan que puede que tenga algún significado. Esto, es por el hecho de que el codex contiene en 2 de sus folios algunas frases incoherentes en francés e inglés:

“…orgiaque girl emerged and guessed, the first day on the dam of Balbeo… ” ” still ” ” sculptor… to remember… here still ” ” here… wounded eyes ” in bulk then: ” to cross, aillor, it is, you, impassioned, USA, well, to believe, I, belief, by…”

Ellas están en el capítulo “Writing”, el cual es uno de los más interesantes del libro.

También es preciso señalar el hecho de que parece levemente basado en el cuento de Borges, “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius”.

Luigi Serafini, sin embargo, se niega a señalar qué trato de decir, al menos eso estipula su testamento, en el cual indica que el libro será explicado después de su muerte.

Secciones:

Zoología: Una sección en la que se muestran las distintas especies de este mundo, resaltando criaturas con forma de ala y cuerpo de engranaje. Y una tabla de medidas biológicas.

Botánica: En esta parte del codex se muestran bizarras especies, como árboles con forma de silla y fumarolas que se transforman en flores.

Teología (aunque parece más un estudio exhaustivo de razas): muestra desde seres formados con desechos biológicos, hasta humanos vistiendo trajes hechos con señales de tránsito. Cabe señalar el desarrollo bastante más adelantado en cuanto a dibujo con respecto a otras secciones.

Costumbres (también incluye deportes y geografía): en esta parte se encuentran algunos folios impresionantes que muestran ubicaciones inverosímiles, aunados a algunos paisajes basados en lugares conocidos -como el Gran Cañón de Colorado, y las Cataratas del Niágara-.

Física: Aquí el libro parece entrar a un mundo donde rige la física de los cuadros de Escher o Dalí. Vemos arcoiris líquidos, la antigravedad, y un diagrama complejo de lo que se entiende es la antimateria.

Este libro es, al final de cuentas, un objeto de estudio indispensable tanto para criptólogos como para diseñadores, por el conjunto tan inusual de temas y la manera como el autor los retrata.

Texto de: Wikipedia

Según el estudioso de Haeckel, Olaf Breidbach (el editor de las ediciones modernas de Kunstformen), el trabajo es “no sólo un libro de ilustraciones sino también la representación de su visión del mundo.” Las páginas de Kunstformen son un ejemplo de simetría y organización. Los organismos representados han sido seleccionados para integrarse en una organización, desde la escala de patrones de los peces cofre a las espirales de los ammonites y a las simetrías perfectas de las medusas y microorganismos. Las imágenes que componen cada página están dispuestas de forma que se consiga el máximo impacto visual.

Entre las páginas más notables están las de radiolarios, que Haeckel ayudó a popularizar entre los microscopistas amateurs; al menos se encuentra un ejemplo entre cada conjunto de diez. Los cnidarios también destacan en el libro, incluyendo anémonas, Siphonophorae, Semaeostomeae y otras medusas. El primer conjunto incluye Desmonema annasethe (ahora Cyanea annasethe), un escifozoo sorprendente que Haeckel observó y describió poco después de la muerte de su mujer, Anna Sethe.

Kunstformen der Natur influyó en el arte, arquitectura y diseño de principios de siglo XX, enlazando ciencia y arte. En particular, muchos artistas asociados con el Art Nouveau fueron influenciados por los dibujos de Haeckel, incluyendo René Binet, Karl Blossfeldt, Hans Christiansen y Émile Gallé. Un ejemplo destacado de ello es el Amsterdam Commodities Exchange diseñado por Hendrik Petrus Berlage, que fue en parte inspirado por las ilustraciones de Kunstformen.

(Texto de Wikipedia)