La Library of Congress a través de Rare book special collections Divisions nos presenta una obra muy curiosa, con el título de “Giuochi, Trattenimenti e Feste Annue Che si Costumano in Toscana e Specialmente in Firenze” (Juegos, espectáculos y festivales anuales en la Toscana y Florencia), editado en 1790 con dibujos coloreados de Giuseppe Piattoli.

via: Odisea2008

El Cuaderno italiano es un cuaderno de dibujos originales y textos autógrafos de Francisco de Goya realizado durante su viaje a Italia en 1770, compuesto por 83 hojas de papel verjurado blanco. El artista lo compró para su uso en el transcurso de recorrido por este país y fue fabricado en la localidad italiana de Fabriano.

Recoge además de obras de creación, estudios de dibujo, representaciones de monumentos arquitectónicos y copias de obras pictóricas que contempló en su estancia italiana, que supuso un hito en su aprendizaje. Dibujó mediante las técnicas del lápiz, la sanguina y la tinta.

Un estilo académico caracteriza estos dibujos. En la hoja 64v y la 65r se hallan los bosquejos iniciales de La Virgen del Pilar y Muerte de San Francisco Javier, dos cuadros religiosos hoy localizados en el Museo de Zaragoza. Muy importantes son, además, los estudios y bocetos que hizo para el cuadro Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes, con el que se presentó a un concurso convocado por la Academia de Bellas Artes de Parma en 1770, que ganó el segundo premio. El cuadro estuvo perdido durante doscientos años y fue hallado recientemente.

Los textos, algunos sobreescritos más tarde, recogen noticias familiares, como la de su boda o el nacimiento de sus hijos. A finales del siglo XX el Cuaderno italiano fue adquirido por el Museo del Prado.

Texto sacado de la Wikipedia

Ver ALCOLEA BLANCH, Santiago, Aníbal, máscaras y anamorfosis en el Cuaderno italiano de Goya

Por fin hemos podido traer a Elefantes de Papel el famoso cuaderno italiano de Goya, además a una resolución enorme. Recordad que podeis ver las imágenes a tamaño completo haciendo click en el icono (+)  en la barra inferior de cada imagen.

Ver otras obras de Goya en Elefantes de Papel: aquí.

Apreciar los dibujos o bocetos de los artistas es un criterio estético-artístico relativamente reciente. En época del propio Goya sus dibujos pertenecían al más estricto ámbito privado, y los realizaba para su propio placer y para regalar a los amigos. Curiosamente el gusto contemporaneo valora mucho estos bosquejos por ser más “expresivos”, una forma directa de conectar con la idea del artísta y de apreciar su ejecución más espontánea.

Os traigo una selección de dibujos de Goya ofrecidos por la página del Museo del Prado, donde destacan el famoso “toro mariposa” y el “aun aprendo” (uno de sus últimos dibujos). Una lástima que el museo no ofrezca todos los cuadernos que posee de Goya para su contemplación online, aún así estoy tratando de conseguir el “cuaderno italiano”, una serie de dibujos realizados por Goya en su viaje por Italia en 1770 y uno de los más interesantes. Espero poder conseguirlo pronto y añadirlo a esta colección elefantina.

Os dejo una breve descripción de los cuadernos sacada de la wikipedia:

Los diferentes cuadernos o álbumes de dibujos de Goya son vehículos para sus apuntes, borradores, croquis… pero en mayor medida suponen una obra privada y personal con valor propio. Se distinguen el inicial Cuaderno italiano, de comienzos de la década de 1770, y otros seis álbumes catalogados con letras de la «A» a la «F». En general fueron luego deshojados y vendidos los dibujos uno a uno. La mayoría de ellos se han logrado reunir en el Museo del Prado. Una breve descripción y cronología de estos sería como sigue:

• Cuaderno italiano. (h. 1770). Es fundamentalmente un cuaderno de estudio realizado con motivo de su viaje de aprendizaje a Italia y en él encontramos trabajos preparatorios del Aníbal vencedor. Se sirve del lápiz, la sanguina y la tinta.

• Álbum A (verano de 1796). También llamado Cuaderno pequeño de Sanlúcar. Fue dibujado durante su estancia en la finca de la duquesa de Alba en Sanlúcar de Barrameda. Predominan las escenas de jóvenes en actitudes caseras e íntimas, en las que se puede apreciar el porte de la propia Cayetana. La técnica es la punta de pincel, la aguada de tinta china y toques de lápiz negro y pluma.

• Álbum B (1796-1797) o Álbum de Sanlúcar-Madrid. Fue comenzado en Sanlúcar, de modo consecutivo al Álbum A, con los mismos rasgos técnicos y estilísticos hasta el dibujo número 27. En adelante aparecen motivos que preludian los Caprichos: asnerías, ladrones, procesiones. Muchos son trabajos preparatorios de las estampas, pues aparecen dibujos enmarcados y epígrafes que los explican.

• Álbum C (1803-1824). Es el más extenso y el cuaderno de dibujos medular de la obra goyesca. Refleja temas, composición y formas vinculados a las series de grabados más destacadas, críticas y de capricho. La técnica dominante es la tinta china y la aguada sepia. De todos modos, la amplitud cronológica y la extensión de este álbum admite registros muy variados.

• Álbum D (1801-1803). Todos los indicios apuntan a que está inacabado. Sus asuntos se relacionan con las planchas de Los disparates. Utiliza en sus dibujos pincel y tinta china.

• Álbum E (1783-1812) o de bordes negros, pues las escenas están enmarcadas con un grueso trazo. Podrían haber sido destinadas a una serie de estampas, por su minuciosidad y regularidad en el formato y la unidad temática presidida por la sabiduría.

• Álbum F (1812-1823). La importancia de los dibujos en Goya crece con este álbum. Variedad de temas, complejidad de las composiciones, masas de figuras, interiores con un delicado tratamiento de la luz. Realizados con pincel a la aguada de sepia.

• Álbumes G y H (1824-1828). Realizados en Burdeos, reflejan la mirada costumbrista hacia el nuevo país. Aparece un condenado a muerte en la guillotina. Pero también rememora el pasado español (como el mutilado de brazos y piernas y colgado envuelto en un lienzo cuyo epígrafe reza: «Amaneció así, mutilado, en Zaragoza, a principios de 1770»). Destaca la profusión de personajes que vuelan: ancianos, lindas muchachas, clérigos… Destaca un dibujo donde aparece un alter-ego del anciano pintor, que apoyado en bastones, camina con dificultad y cuyo epígrafe reza «Aún aprendo».

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Étienne-Louis Boullée (París, 12 de febrero de 1728 – id. 4 de febrero de 1799) fue un visionario arquitecto francés del Neoclasicismo, cuya obra influyó mucho en los arquitectos contemporáneos y aún hoy en día es considerada importante.

Nacido en París, hijo de un arquitecto, estudió pintura pero luego se pasó a la arquitectura por petición paterna. Estudió con Jacques-François Blondel, Germain Boffrand y Jean-Laurent Le Geay, de quienes aprendió el estilo de arquitectura clásica francesa predominante en los siglos XVII y XVIII y el Neoclasicismo hacia el que evolucionó a mediados de siglo.

En 1762 entra a formar parte de la Academia Real de Arquitectura de París y se convirtió en el arquitecto en jefe de Federico II el Grande de Prusia, un título en gran medida honorario. Diseñó una serie de casas particulares desde 1762 hasta 1778, aunque la mayor parte de ellas ya no existen; entre los ejemplos supervivientes destacan el Hôtel Alexandre y Hôtel de Brunoy, ambos en París. Junto a Claude Nicolas Ledoux fue una de las más influyentes figuras de la arquitectura neoclásica francesa.

Entre 1752 y 1775 realiza varios arreglos para interiores de casas de nobles, entre ellos una para el conocido actualmente como Palacio del Elíseo (residencia presidencial).

Su mayor impacto lo provocó como maestro y teórico en la École nationale des ponts et chaussées entre 1778 y 1788, desarrollando un estilo geométrico abstracto distintivo inspirado por formas clásicas. Su obra se caracterizó por la eliminación de toda la ornamentación innecesaria, hinchando las formas geométricas hasta una escala enorme y repitiendo elementos comocolumnas en grandes series.

Boullée promovió la idea de hacer arquitectura expresiva de su propósito, una doctrina que sus detractores llamaron architecture parlante («arquitectura parlante»), que fue un elemento esencial en la formación arquitectónica Beaux-Arts en el final del siglo XIX.

Su proyecto más célebre es el Cenotafio para Isaac Newton (1784), cuyos dibujos y esbozos se conservan en la Biblioteca Nacional de Francia. Este diseño representa uno de los iconos de la llamada arquitectura visionaria. Ejemplifica su estilo de manera destacada. El cenotafio sería una esfera de 150 metros de alto hundida en una base circular y cubierta de cipreses. Aunque la estructura no se construyó nunca, su diseño fue grabado y circuló ampliamente en círculos profesionales.

Su obra fue muy escasa y su tratado de la arquitectura (Arquitectura. Ensayo sobre el arte) no fue publicada hasta mediados del siglo XX.

Texto de: Wikipedia