Como ya prometí en la entrada anterior, dedicada también a La Divina Comedia, traigo hoy una entrada especial de verano: las mejores ilustraciones de la obra de Dante por parte de grandes artistas e ilustradores de todas las épocas: Gustave Doré, Alessandro Vellutello, Botticelli, Salvador Dali, John Flaxman y Yates Thompson.

Me hubiera gustado traer también las ilustraciones de Miquel Barceló, pero no ha sido posible. Otra vez será.

Gustave Doré:

Purgatorio:

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Infierno:

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Paraiso:

Alessandro Vellutello:

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Botticelli:

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Varias:

Salvador Dali:

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John Flaxman:

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Yates Thompson:

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Los grabados de Daumier se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados. Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo desde la obra de Goya).

Sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Nolde, Ernst Barlach y Ensor.

Desde Elefantes de Papel os traemos 120 grandes litografías, de las más de 4000 que llegó a realizar. Seguro que os gustará

Entre el siglo XIX y comienzos del XX escribieron sobre libros de viajes extranjeros a España el hispanista Raymond Foulché Delbosc (Bibliographie des voyages en Espagne et en Portugal, París: H. Welter, 1896), donde se acogen 858 títulos de libros de viajes en dieciséis lenguas y 1730 ediciones, todo en orden cronológico, aunque faltan referencias a los importantes viajes de Wilhelm von Humboldt por todo el imperio español, tacha menor en un esfuerzo semejante. También Arturo Farinelli escribió sobre el tema y Elena Fernández Mel o Herr sobre los libros de viajes franceses y la imagen que ofrecían de España. Modernamente abundan ya los estudios sobre la materia.

La Biblioteca Virtual de Andalucía en su signatura “Libros de viaje por España en el siglo XIX” tiene más de 50 obras de diversos autores y en varios idiomas, entre ellos figura “Voyage pittoresque en Espagne et en Portugal” (Viaje pintoresco por España y Portugal) escrito por Emile Bégin y editado en 1852, esta obra tiene varias ilustraciones realizadas por los hermanos Rouargue.

Entre las obras que se han incorporado recientemente a la BDH, es de destacar la Exposición de Grabados de Autores Españoles, catálogo de la exposición de grabados celebrada por la Asociación Artistico- Arqueológica Barcelonesa en enero de 1880.

Este texto consta de 50 grabados realizados desde el siglo XV hasta finales del XIX, acompañados de una cuidada cronología de grabadores españoles. La obra recorre la historia del grabado español con ejemplos de muy alta calidad; entre otros no menos importantes, cuenta con trabajos de autores de la talla de Bayeu, Ametller, Tramullas, Carmona, Masferrer, Ribera o el mismo Goya.

Los disparates o Los proverbios es una serie (con toda probabilidad incompleta) de veintidós grabados realizados al aguatinta y aguafuerte, con retoques de punta seca y bruñidor, realizada por Francisco de Goyaentre los años 1815 y 1823.

Se trata de la serie de estampas de más difícil interpretación de las que realizó el pintor aragonés. En ella destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo y la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y en general, la crítica del poder establecido. Pero más allá de estas connotaciones las estampas ofrecen un mundo imaginativo rico relacionado con la noche, el carnaval, y lo grotesco que constituyen un enigma tanto estampa por estampa como en su conjunto.

La serie de los Disparates permaneció inédita hasta 1864, año en que la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando publica dieciocho grabados que, en 1877, se verían aumentados a veintidós tras la aparición de cuatro láminas más aparecidas en la revista L’Art, procedentes de las planchas que obraban en poder de Eugenio Lucas.

Más información en la Wikipedia

(Ver más obras de Goya)

Apreciar los dibujos o bocetos de los artistas es un criterio estético-artístico relativamente reciente. En época del propio Goya sus dibujos pertenecían al más estricto ámbito privado, y los realizaba para su propio placer y para regalar a los amigos. Curiosamente el gusto contemporaneo valora mucho estos bosquejos por ser más “expresivos”, una forma directa de conectar con la idea del artísta y de apreciar su ejecución más espontánea.

Os traigo una selección de dibujos de Goya ofrecidos por la página del Museo del Prado, donde destacan el famoso “toro mariposa” y el “aun aprendo” (uno de sus últimos dibujos). Una lástima que el museo no ofrezca todos los cuadernos que posee de Goya para su contemplación online, aún así estoy tratando de conseguir el “cuaderno italiano”, una serie de dibujos realizados por Goya en su viaje por Italia en 1770 y uno de los más interesantes. Espero poder conseguirlo pronto y añadirlo a esta colección elefantina.

Os dejo una breve descripción de los cuadernos sacada de la wikipedia:

Los diferentes cuadernos o álbumes de dibujos de Goya son vehículos para sus apuntes, borradores, croquis… pero en mayor medida suponen una obra privada y personal con valor propio. Se distinguen el inicial Cuaderno italiano, de comienzos de la década de 1770, y otros seis álbumes catalogados con letras de la «A» a la «F». En general fueron luego deshojados y vendidos los dibujos uno a uno. La mayoría de ellos se han logrado reunir en el Museo del Prado. Una breve descripción y cronología de estos sería como sigue:

• Cuaderno italiano. (h. 1770). Es fundamentalmente un cuaderno de estudio realizado con motivo de su viaje de aprendizaje a Italia y en él encontramos trabajos preparatorios del Aníbal vencedor. Se sirve del lápiz, la sanguina y la tinta.

• Álbum A (verano de 1796). También llamado Cuaderno pequeño de Sanlúcar. Fue dibujado durante su estancia en la finca de la duquesa de Alba en Sanlúcar de Barrameda. Predominan las escenas de jóvenes en actitudes caseras e íntimas, en las que se puede apreciar el porte de la propia Cayetana. La técnica es la punta de pincel, la aguada de tinta china y toques de lápiz negro y pluma.

• Álbum B (1796-1797) o Álbum de Sanlúcar-Madrid. Fue comenzado en Sanlúcar, de modo consecutivo al Álbum A, con los mismos rasgos técnicos y estilísticos hasta el dibujo número 27. En adelante aparecen motivos que preludian los Caprichos: asnerías, ladrones, procesiones. Muchos son trabajos preparatorios de las estampas, pues aparecen dibujos enmarcados y epígrafes que los explican.

• Álbum C (1803-1824). Es el más extenso y el cuaderno de dibujos medular de la obra goyesca. Refleja temas, composición y formas vinculados a las series de grabados más destacadas, críticas y de capricho. La técnica dominante es la tinta china y la aguada sepia. De todos modos, la amplitud cronológica y la extensión de este álbum admite registros muy variados.

• Álbum D (1801-1803). Todos los indicios apuntan a que está inacabado. Sus asuntos se relacionan con las planchas de Los disparates. Utiliza en sus dibujos pincel y tinta china.

• Álbum E (1783-1812) o de bordes negros, pues las escenas están enmarcadas con un grueso trazo. Podrían haber sido destinadas a una serie de estampas, por su minuciosidad y regularidad en el formato y la unidad temática presidida por la sabiduría.

• Álbum F (1812-1823). La importancia de los dibujos en Goya crece con este álbum. Variedad de temas, complejidad de las composiciones, masas de figuras, interiores con un delicado tratamiento de la luz. Realizados con pincel a la aguada de sepia.

• Álbumes G y H (1824-1828). Realizados en Burdeos, reflejan la mirada costumbrista hacia el nuevo país. Aparece un condenado a muerte en la guillotina. Pero también rememora el pasado español (como el mutilado de brazos y piernas y colgado envuelto en un lienzo cuyo epígrafe reza: «Amaneció así, mutilado, en Zaragoza, a principios de 1770»). Destaca la profusión de personajes que vuelan: ancianos, lindas muchachas, clérigos… Destaca un dibujo donde aparece un alter-ego del anciano pintor, que apoyado en bastones, camina con dificultad y cuyo epígrafe reza «Aún aprendo».

Más información aquí

Se trata de una obra que muestra el interés que existió a finales del siglo XIX por todas las temáticas ocultistas, y en especial por la magia, elespiritismo o el culto al diablo. Las ilustraciones son obra del pintor e ilustrador italiano Manuel Orazi (1860-1934), quien desarrolló un estilo a medio camino entre el simbolismo y el modernismo. Por la poca información que he encontrado sobre él destacó especialmente como ilustrador de diversas revistas y libros de la época, alcanzando cierto éxito en dicha labor.

En cuanto al Calendario Mágico, pocos datos he podido encontrar. Únicamente que se hizo una edición de 777 ejemplares (probablemente la cifra fue un guiño a la tradicional atribución de propiedades mágicas al número 7), y que se conserva una copia de la insólita obra en la división de Colecciones de Manuscritos y libros raros de la Biblioteca de la Universidad de Cornell.

Texto de: arssecreta

El paraíso perdido es un poema narrativo de John Milton (1608-1674), considerado como un clásico de la literatura inglesa, y que ha dado origen a un tópico literario muy difundido en la literatura universal.

Sobrepasa los 10.000 versos escritos sin rima. El poema es una epopeya acerca del tema bíblico de la caída de Adán y Eva. Trata, fundamentalmente, del problema del mal y el sufrimiento en el sentido de responder a la pregunta de por qué un Dios bueno y todopoderoso decide permitirlos cuando le sería fácil evitarlos.

Milton responde a través de una descripción psicológica de los principales protagonistas del poema: el diablo, Dios, Adán y Eva, cuyas actitudes acaban por revelar el mensaje esperanzador que se esconde tras la pérdida del paraíso original. En el poema, el cielo y el infierno representan estados de ánimo antes que espacios físicos.

La obra comienza en el infierno (descrito mediante referencias a la permanente insatisfacción y desesperación de sus habitantes), desde donde Satanás(definido por el sufrimiento) decide vengarse de Dios de forma indirecta, esto es, a través de los seres recién creados que viven en una estado de felicidad permanente.

Texto de: Wikipedia

Las magníficas ilustracciones de Doré sirvieron a Max Ernst para la realización de novela surrealista en collage Une Semaine de Bonté

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Os presento otro trabajo de mi admiradísimo Gustav Doré, las ilustracciones para el cuento del cuervo:

El cuervo es un poema narrativo escrito por Edgar Allan Poe y su composición poética más famosa. Fue publicado por primera vez en enero de 1845. Son notables su musicalidad, su lenguaje estilizado y su atmósfera sobrenatural. Habla de la misteriosa visita de un cuervoparlante a la casa de un amante afligido y el lento descenso hacia la locura de este último. El amante, que a menudo se ha identificado como un estudiante, llora la pérdida de su amada, Leonor. El negro cuervo, posado sobre un busto de Palas, parece azuzar su sufrimiento con la constante repetición de las palabras “Nunca más” (Nevermore). En el poema Poe hace alusión al folclore y a varias obras clásicas.

Poe afirmaba haber escrito el poema de forma muy lógica y metódica. Su intención era crear un poema que pudiese gustar tanto a las clases populares como a las personas de gusto más refinado, como explica él mismo en el siguiente ensayo: “La filosofía de la composición”. El poema se inspira parcialmente en la figura del cuervo parlante de la novela Barnaby Rudge de Charles Dickens.

Texto de: Wikipedia

Lo tengo que reconocer, adoro los grabados de los tratados de anatomía; ya traje en su momento los tratados de Pietro de Cortona, y de Andrea Vesalius. En ellos, los artistas tratan el cuerpo con teatralidad, con patetismo, con sufrimiento, son una grotesca aproximación a nuestro “yo” interior, y en el fondo no dejan más que  bodegones humanos, vanitas, un memento mori.

Hoy traigo el tratado de Richard Quain, físico irlandés del siglo XIX. Si bien su obra es muy posterior a los anteriores artistas mencionados, su estética hereda mucho de estos primeros tratados barrocos. Aunque Quain nos trae una visión aún más realista y explícita desde un punto de vista anatómico. No apto para estómagos sensibles.

Este manuscrito – uno de los mejores de la Biblioteca Británica – es la versión original de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll, el seudónimo de Charles Dodgson, matemático de Oxford.

Dodgson era amigo de los niños y se hizo amigo de Lorina, Alice y Edith Liddell, las hijas del decano de su universidad, la Iglesia de Cristo. Un día de verano en 1862 las entretuvo en un viaje en barco con una historia de aventuras de Alicia en un mundo mágico a través de una madriguera de conejo. Alice estaba tan encantada que le suplicó que lo anotarla para ella. Le tomó un tiempo escribir la historia  y completar las 37 ilustraciones. Alice finalmente recibió el libro de 90 páginas, dedicado a “una querida niña, en memoria de un día de verano”, en noviembre de 1864.

La familia le animó a publicar la historia, Dodgson la re-escribió y amplió, eliminando algunas de las referencias privadas de la familia y añadiendo dos nuevos capítulos. La versión publicada fue ilustrada por el artista John Tenniel.

Muchos años más tarde, Alice se vio obligada a vender su precioso manuscrito en una subasta. Fue comprado por un coleccionista estadounidense, pero regresó a Inglaterra en 1948 cuando un grupo de benefactores de América lo regaló a la Biblioteca Británica, en reconocimiento del papel de los británicos en la Segunda Guerra Mundial.

En vida de Goya sólo se imprimieron dos juegos completos de los grabados, uno de ellos regalado a su amigo y crítico de arte Ceán Bermúdez, pero permanecieron inéditos. La primera edición apareció en 1863, publicada por iniciativa de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Siguieron otras en 1892, 1903 y 1906.

El título que originalmente dio Goya a esta serie de grabados fue “Fatales consecuencias de la sangrienta guerra de España contra Bonaparte”. El título de “Los desastres de la guerra” fue adjudicada por la academia en su primera publicación para universalizar el tema de la guerra en Goya y para vincularle con la tradición artística, en este caso con la obra de Jacques Callot “Les Grandes Misèries de la guerre”.

(Texto de Wikipedia)

(Ver Página que analiza el significado de cada grabado)

(Ver “Les Grandes Misères de la guerre” de Jacques Callot)

(Ver más obras de Goya)

La mayoría de los libros de Blake no se publicaron en el sentido tradicional, sino que fueron impresos para comisiones especiales por coleccionistas privados o libreros de Londres. Como consecuencia, son muy poco frecuentes. Blake murió en 1827, en la pobreza y en relativa oscuridad, pero a mediados del siglo XX, se había convertido, en palabras del Diccionario Oxford de Biografía Nacional, en “uno de los iconos culturales del mundo de habla inglesa“.

(Texto de Wikipedia)

En 1853 le pidieron ilustrar trabajos de Lord Byron, al termino de estos le solicitaron trabajos para escritores de habla inglesa, incluso una nueva versión de la Biblia, así como la famosa obra de Edgar Allan Poe, El cuervo.

En 1862 viajó por España con el Barón Duvillier, de tal modo que al año siguiente publicaron ambos al alimón una serie de crónicas sobre Valencia, Galicia, etc que se incluyó en la colección “Le Tour du Monde”. Residió por unos meses en Barcelona.

La Biblia (ilustrada en 1865) fue un gran éxito para el artista, de manera que en 1867 tuvo que hacer una gran exposición de sus obras en Londres, esta celebración le permitió fundar la Doré Gallery en New Bond Street.

En 1869, Blanchard Jerrold, hijo de Douglas William Jerrold, sugirió que trabajaran juntos para producir un retrato de Londres. A Jerrold se le ocurrió la idea de plasmar The Microcosm of London hecho por Rudolph Ackermann, William Pyne y Thomas Rowlandson en 1808.

Doré firmó un contrato de cinco años con la editorial Grant & Co, eso implicaba que tenía que pasar al menos tres meses al año en Londres. Cobró la suma de 10.000 libras esterlinas por año. El libro London: A Pilgrimage, con 180 grabados fue publicado en 1872. Aunque fue un éxito comercial, a algunos críticos no les gustó la publicación. A muchos les disgustó que Doré mostrara en su obra la pobreza existente en Londres. Fue acusado por el Art Journal de “fantasioso más que de ilustrador”. La Westminster Review denunció que Doré hizo un boceto del pueblo, de la realidad que se vivía en ese momento.

“London: A Pilgrimage” fue un éxito financiero, y a Doré le pidieron más encargos los editores ingleses. Su siguiente trabajo fue el “Paradise Lost” (El paraíso perdido) para John Milton,”The Idylls of the Kina” para Alfred Tennyson, “The Works” de Thomas Hood, y “The Divine Comedy” (La Divina Comedia) por Dante Alighieri.

(Texto de Wikipedia)

En la primera mitad presentó los grabados más realistas y satíricos criticando desde la razón el comportamiento de sus congéneres. En la segunda parte abandonó la racionalidad y representó grabados fantásticos donde mediante el absurdo mostró visiones delirantes de seres extraños.

Empleó una técnica mixta de aguafuerte, aguatinta y retoques de punta seca. Deformó exageradamente las fisonomías y los cuerpos de los que representan los vicios y torpezas humanas dando aspectos bestiales.

Goya, muy relacionado con los ilustrados, compartía sus reflexiones sobre los defectos de su sociedad. Eran contrarios al fanatismo religioso, a las supersticiones, a la Inquisición, a algunas órdenes religiosas, aspiraban a leyes más justas y a un nuevo sistema educativo. Todo ello lo criticó humorísticamente y sin piedad en estas láminas. Consciente del riesgo que asumía y para protegerse, dotó a algunas de sus estampas con rótulos imprecisos, sobre todo las sátiras de la aristocracia y del clero. También diluyó el mensaje ordenando ilógicamente los grabados. De todas formas, sus contemporáneos entendieron en los grabados, incluso en los más ambiguos, una sátira directa a su sociedad y también a personajes concretos, este último aspecto el artista siempre lo rechazó.

Se editó en 1799, pero al perder el poder Godoy y los ilustrados, el pintor retiró la edición de forma precipitada por temor a la Inquisición. Solo estuvo a la venta 14 días. En 1803, para salvar Los Caprichos, decidió ofrecer las planchas y los 240 ejemplares disponibles al rey, con destino a la Real Calcografía, a cambio de una pensión vitalicia de doce mil reales anuales para su hijo Javier.

De las placas se realizaron veinte impresiones. La primera reimpresión se editó entre 1821 y 1836, desconociéndose la fecha concreta, y la última en 1937.

Los Caprichos han influenciado a varias generaciones de artistas de movimientos tan dispares como el Romanticismo francés, el Impresionismo, el Expresionismo alemán o el Surrealismo.

MacColl y Malraux consideraron a Goya uno de los precursores del arte moderno, mencionando las innovaciones y rupturas de Los Caprichos.

(Texto de Wikipedia)

(Ver más obras de Goya)

(Ver Caprichos a mayor resolución en la BNE)