Os traigo una de las copias ilustradas más antiguas de la divina comedia, ni más ni menos que del siglo XIV, prometo traer dentro de poco la versión de Doré, la de Dalí y todas las que consiga encontrar.

La Divina Comedia (en italiano: Divina Commedia) es un poema teológico escrito por Dante Alighieri. De este se desconoce la fecha exacta en que fue escrito aunque las opiniones más reconocidas aseguran que el Infierno pudo ser compuesto entre 1304 y 1307–1308, el Purgatorio de 1307–1308 a 1313–1314 y por último, el Paraíso de 1313–1314 a 1321 (fecha esta última, de la muerte de Dante). Se considera por tanto que la redacción de la primera parte habría sido alternada con la redacción del Convivium y De Vulgari Eloquentia, mientras que De Monarchia pertenecería a la época de la segunda o tercera etapa, a la última de las cuales hay que atribuir sin duda la de dos obras de menor empeño: la Cuestión del agua y la tierra y las dos églogas escritas en respuesta a sendos poemas de Giovanni del Virgilio.

La Divina Comedia es considerada como una de las obras maestras de la literatura italiana y literatura universal. Numerosos pintores de todos los tiempos crearon ilustraciones sobre ella; destacan Botticelli, Gustave Doré, Dalí y William Adolphe Bouguereau. Dante Alighieri la escribió en el dialecto toscano, matriz del italiano actual el cual se usó entre los siglos XI y XII.

Cada una de sus partes está dividida en cantos, a su vez compuestos de tercetos. La composición del poema se ordena según el simbolismo del número tres (número que simboliza latrinidad sagrada, Padre, Hijo y Espíritu Santo, así como también el número tres simboliza el equilibrio y la estabilidad en algunas culturas, y que también tiene relación con el triángulo): tres personajes principales, Dante, que personifica al hombre, Beatriz, que personifica a la fe, y Virgilio, que personifica a la razón; la estrofa tiene tres versos y cada una de las tres partes cuenta con treinta y tres cantos. Adicionalmente, Dante utiliza el número 10 como cabalístico (como número pitagórico), hecho que vemos en los cien cantos de la comedia (33 en cada reino más el canto introductorio) o en los diez niveles del infierno (nueve círculos más el anteinfierno de los indiferentes). La estructura matemática de la Divina comedia, por otra parte, es mucho más compleja de lo que aquí se esboza. El poema puede leerse según los cuatro significados que se atribuyen a los textos sagrados: literal, moral, alegórico yanagógico. En este poema, Dante hace gala además de un gran poder de síntesis que es característico de los grandes poetas.

Texto: Wikipedia

Leer la divina comedia completa: aquí

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Pequeña selección de cartelería propagandística del régimen soviético.

Más carteles.

La Library of Congress a través de Rare book special collections Divisions nos presenta una obra muy curiosa, con el título de “Giuochi, Trattenimenti e Feste Annue Che si Costumano in Toscana e Specialmente in Firenze” (Juegos, espectáculos y festivales anuales en la Toscana y Florencia), editado en 1790 con dibujos coloreados de Giuseppe Piattoli.

via: Odisea2008

El Cuaderno italiano es un cuaderno de dibujos originales y textos autógrafos de Francisco de Goya realizado durante su viaje a Italia en 1770, compuesto por 83 hojas de papel verjurado blanco. El artista lo compró para su uso en el transcurso de recorrido por este país y fue fabricado en la localidad italiana de Fabriano.

Recoge además de obras de creación, estudios de dibujo, representaciones de monumentos arquitectónicos y copias de obras pictóricas que contempló en su estancia italiana, que supuso un hito en su aprendizaje. Dibujó mediante las técnicas del lápiz, la sanguina y la tinta.

Un estilo académico caracteriza estos dibujos. En la hoja 64v y la 65r se hallan los bosquejos iniciales de La Virgen del Pilar y Muerte de San Francisco Javier, dos cuadros religiosos hoy localizados en el Museo de Zaragoza. Muy importantes son, además, los estudios y bocetos que hizo para el cuadro Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes, con el que se presentó a un concurso convocado por la Academia de Bellas Artes de Parma en 1770, que ganó el segundo premio. El cuadro estuvo perdido durante doscientos años y fue hallado recientemente.

Los textos, algunos sobreescritos más tarde, recogen noticias familiares, como la de su boda o el nacimiento de sus hijos. A finales del siglo XX el Cuaderno italiano fue adquirido por el Museo del Prado.

Texto sacado de la Wikipedia

Ver ALCOLEA BLANCH, Santiago, Aníbal, máscaras y anamorfosis en el Cuaderno italiano de Goya

Por fin hemos podido traer a Elefantes de Papel el famoso cuaderno italiano de Goya, además a una resolución enorme. Recordad que podeis ver las imágenes a tamaño completo haciendo click en el icono (+)  en la barra inferior de cada imagen.

Ver otras obras de Goya en Elefantes de Papel: aquí.

Luis Moya Blanco (Madrid, 1904 – 1990) se formó como arquitecto en la Escuela de Madrid y en el estudio de Pedro Muguruza. En 1942, Luis Moya publicó en la revista de Falange, Vértice, su proyecto para Sueño arquitectónico, monumento piramidal a la muerte y la exaltación nacional. A partir de entonces elije el lenguaje clásico, tomando como modelo a los neoclásicos Ledoux y Villanueva, y se enfrenta al Movimiento Moderno.

Entre sus obras más conocidas están la reforma del Teatro Real y el Museo de América en Madrid, la Gran Cruz del Valle de los Caídos, y las Universidades Laborales de Gijón y Zamora, así como iglesias y edificios escolares, sobre todo para los marianistas. En 1953 fue elegido Académico de Bellas Artes. De 1960 a 1963 fue redactor jefe de la revista Arquitectura, y entre 1963 y 1966, director de la Escuela de Arquitectura de Madrid.

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Un croquis, es un dibujo que esboza una imagen o una idea, confeccionado a mano alzada o copiado de un modelo, previo a la ejecución del dibujo definitivo o de alguna obra de arte. Puede ser considerado un bosquejo inicial o un ejercicio de observación y técnica previo a la realización de una obra.

La Escuela Politécnica Superior de la Universidad CEU San Pablo tiene en su página web esta exquisita recopilación de croquis de arquitectura de los mejores arquitectos de la historia.

Los grabados de Daumier se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados. Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo desde la obra de Goya).

Sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Nolde, Ernst Barlach y Ensor.

Desde Elefantes de Papel os traemos 120 grandes litografías, de las más de 4000 que llegó a realizar. Seguro que os gustará

Al parecer, una de las pocas barajas disponibles en la Rusia sovietica estaba inspirada en ilustraciones mayas, realmente curioso.

Más información aquí.

(Gracias a Ritxi por ponernos en la pista de esta pequeña joya)

La crónica de Nuremberg, considerada uno de los incunables (Son llamados incunables (del latín incunabulae, en la cuna) los libros impresos con tipos moviles desde la aparición de la imprenta hasta el año 1500 inclusive. Fue posiblemente Cornelius Beughem quien empleó la palabra por primera vez, en su Incunabula typographiae 1688-Wikipedia), es un libro con xilografias en el que se cuenta la historia universal. Se hicieron copias en latín y en Alemán (como el que tenemos aquí) y está dividio en varios capítulos:

• La primera edad: Del Génesis al Diluvio.
• La segunda edad: Hasta el nacimiento de Abraham.
• La tercera edad: Hasta el rey David.
• La cuarta edad: Hasta el cautiverio en Babilonia.
• La quinta edad: Hasta el nacimiento de Cristo.
• La sexta edad: L a época actual.
• La séptima edad: Sobre el Juicio Final y el (Apocalipsis).

El autor de esta magnífica obra es Hartmann Schedel, y el editor fue el impresor Anton Koberger. Esta joya la podemos encontrar en varios museos y bibliotecas, y en Madrid tenemos una en la academia de bellas artes.

Gracias a Yuri, uno de nuestros mayores colaboradores por el enorme trabajo de recopilar esta gran obra.

Entre el siglo XIX y comienzos del XX escribieron sobre libros de viajes extranjeros a España el hispanista Raymond Foulché Delbosc (Bibliographie des voyages en Espagne et en Portugal, París: H. Welter, 1896), donde se acogen 858 títulos de libros de viajes en dieciséis lenguas y 1730 ediciones, todo en orden cronológico, aunque faltan referencias a los importantes viajes de Wilhelm von Humboldt por todo el imperio español, tacha menor en un esfuerzo semejante. También Arturo Farinelli escribió sobre el tema y Elena Fernández Mel o Herr sobre los libros de viajes franceses y la imagen que ofrecían de España. Modernamente abundan ya los estudios sobre la materia.

La Biblioteca Virtual de Andalucía en su signatura “Libros de viaje por España en el siglo XIX” tiene más de 50 obras de diversos autores y en varios idiomas, entre ellos figura “Voyage pittoresque en Espagne et en Portugal” (Viaje pintoresco por España y Portugal) escrito por Emile Bégin y editado en 1852, esta obra tiene varias ilustraciones realizadas por los hermanos Rouargue.

Europa en papel es la nueva exposición de la biblioteca nacional. En ella podemos encontrar manuscritos, grabados, mapas, libros, partituras, carteles, periódicos…y en definitiva todo tipo de contenido cultural cuyo soporte sea papel y gracias al cual se ha ido configurando la identidad cultural e intelectual del viejo continente.

La exposición cuenta con pequeñas joyas entre las que se encuentra uno de los pocos dibujos que se conservan de Velazquez, y que la biblioteca nacional guarda como su tesoro personal, también se encuentra expuesto el Beato de Liebana, un grabado de Durero, uno de Goya, uno de Rembrandt, dibujos cubistas de Picasso….

Pese a la presencia de estos tesoros, la exposición tiene más sombras que luces. Por una parte el número de obras expuestas es bastante limitado, y la exposición se recorre sin problemas en 15-20 minutos. Por otro lado, la forma de exponer las obras me ha resultado del todo deficiente, pues la mayoría de los libros expuestos en las vitrinas se encuentran abiertos por la primera página y no por alguna otra parte más interesante. Una información más profunda sobre cada obra tampoco vendría mal…

Aun así, es una buena oportunidad para ver obras únicas, para reflexionar sobre el legado cultural que nos ha permitido conservar el papel como soporte físico a lo largo de los siglos (reflexion obligatoria en plena era kindle y ipad),y para darse un paseo por la biblioteca nacional, recoletos y la plaza de colón, algo que nunca está de más.

Os dejo la información:

La Biblioteca Nacional de España presenta, coincidiendo con la presidencia española de la Unión Europea durante el primer semestre de 2010, la exposición Europa en papel, organizada en colaboración con la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales a partir de la selección de algunos de los ejemplares más emblemáticos que se conservan en la Biblioteca Nacional de España, que ilustran la historia del continente ahondando en las raíces históricas del proyecto común europeo.

Esta muestra reúne más de un centenar de piezas entre manuscritos, documentos, libros, periódicos, mapas, planos, dibujos, grabados, estampas, fotografías y archivos sonoros, que permiten reflexionar sobre el desarrollo de la historia y la idea de Europa desde la época clásica, pasando por el sueño imperial de Carlos V, la dominación hegemónica de Napoleón y la Alemania nazi, hasta llegar al proceso de construcción de la Europa actual en el que los valores y principios democráticos fueron la base sobre la que se cimentó y se consolidó la actual Unión Europea.

En la exposición pueden contemplarse manuscritos, como el Beato de Liébana, fechado en la primera mitad del siglo X, o el Tratado de estática y mecánicade Leonardo da Vinci, de entre los siglos XV y XVI; e incunables, como elCatholicon de Johannes Balbus impreso en Maguncia en 1460; o la Odisea de Homero, fechada en Florencia en 1488. Se exhibe también la edición francesa, del año 1930, del Ulises de James Joyce; el grabado de Wenzel Hollar sobre la proclamación de la Paz de Westfalia, fechado hacia 1648, y El sueño de la razón produce monstruos, de Francisco de Goya, perteneciente a la serie de Los Caprichos de 1799.

Grabados de Picasso; fotografías de la Primera y la Segunda Guerra Mundial; partituras, como Don Giovanni de Mozart, impresa hacia 1801, o el Concierto para piano y orquesta compuesto por Beethoven para el Archiduque de Austria en 1811; mapas, que muestran la evolución de Europa desde el siglo XVII hasta la actualidad; y periódicos, que recogen acontecimientos destacados de la historia reciente del continente, completan el conjunto de obras que forman parte de esta exposición que podrá visitarse en la Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España hasta el 6 de junio de 2010.

Información de interés

-Horario:

Del 11 de marzo hasta el 6 de junio de 2010. Martes a sábado de 10:00 a 21:00 h., domingos de 10:00 a 14:00 h. Entrada libre (último pase 30 minutos antes del cierre)

-Dirección:

Sala Hipóstila de la Biblioteca Nacional de España

Folleto de la exposición

Algunas imágenes que pueden verse en la exposición:

Entre las obras que se han incorporado recientemente a la BDH, es de destacar la Exposición de Grabados de Autores Españoles, catálogo de la exposición de grabados celebrada por la Asociación Artistico- Arqueológica Barcelonesa en enero de 1880.

Este texto consta de 50 grabados realizados desde el siglo XV hasta finales del XIX, acompañados de una cuidada cronología de grabadores españoles. La obra recorre la historia del grabado español con ejemplos de muy alta calidad; entre otros no menos importantes, cuenta con trabajos de autores de la talla de Bayeu, Ametller, Tramullas, Carmona, Masferrer, Ribera o el mismo Goya.

Egon Schiele fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.

Texto: Wikipedia

(Imágenes seleccionadas por Pablo Fernandez Guerrero)

Recopilación de dibujos de Durero.

Más información en la entrada “Durero (especial)”

Recopilación de grabados de Durero.

Más información en la entrada “Durero (especial)”

Esta es la entrada número 50 de Elefantes de Papel, y nos gustaría celebrar y agradecer todas las visitas recibidas con una entrada muy muy especial, para ello hemos elegido a uno de nuestros artistas favoritos, un artista cuya obra gráfica llega a superar y ensombrecer incluso a su propia obra pictórica, un autentico referente del dibujo y el grabado renacentista alemán, nos estamos refiriendo por supuesto a Albrecht Dürer. (+info en la wikipedia)

Para la ocasión hemos recopilado todos los archivos gráficos que hemos podido encontrar y los hemos dividido en tres entradas:

-La primera, (que es esta misma), contiene una selección de los grabados más conocidos en alta definición, así como el enlace a las bibliotecas digitales donde han sido encontrados y donde pueden encontrarse más recursos, como el museo digital de Harvard. Además he incorporado un pequeño regalo a modo de extra, ilustraciones de un comic inspirado en uno de los grabados más conocidos de Durero “El Caballero, la muerte y el diablo” (recomiendo encarecidamente que si podáis compréis el comic entero ya que merece la pena).

-La segunda entrada “Durero (Grabados)” recopila una grandísima cantidad de obras con diferentes técnicas de grabado ordenadas cronológicamente. Una gran mayoría de estas imágenes debo agradecérselas a la Web Gallery of Art

-La tercera entrada “Durero (Dibujos y acuarelas)” recopila una gran cantidad de obras dibujadas orenadas cronológicamente, y también obtenidas en su mayoría de la Web Gallery of Art

Finalmente, solo me queda agradecer a todos las personas que con su ayuda directa (sugerencias, aportes…) o indirecta (apoyo e ilusión), han hecho posible que este pequeño proyecto, pese a su corta vida, haya tenido tantas visitas y de tan variados países, esto nos ha motivado a seguir para adelante, cada vez más ilusionados

Agradecimientos más concretos para: Ana, Pablo, Yuri (mi mano derecha), Ritxi (por la publi), y demás amigos y familia.

Gracias a todos. Disfrutad de Durero.

Los disparates o Los proverbios es una serie (con toda probabilidad incompleta) de veintidós grabados realizados al aguatinta y aguafuerte, con retoques de punta seca y bruñidor, realizada por Francisco de Goyaentre los años 1815 y 1823.

Se trata de la serie de estampas de más difícil interpretación de las que realizó el pintor aragonés. En ella destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo y la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen y en general, la crítica del poder establecido. Pero más allá de estas connotaciones las estampas ofrecen un mundo imaginativo rico relacionado con la noche, el carnaval, y lo grotesco que constituyen un enigma tanto estampa por estampa como en su conjunto.

La serie de los Disparates permaneció inédita hasta 1864, año en que la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando publica dieciocho grabados que, en 1877, se verían aumentados a veintidós tras la aparición de cuatro láminas más aparecidas en la revista L’Art, procedentes de las planchas que obraban en poder de Eugenio Lucas.

Más información en la Wikipedia

(Ver más obras de Goya)

El códice perteneció al famoso cronista tetzcocano Fernando de Alva Ixtlilxóchitl (1578-1650), autor de la Historia de la nación chichimeca y otras importantes relaciones históricas que relatan el pasado prehispánico de la región Tetzcoco-Aculhua. Sin embargo, el documento, tal y como hoy lo conocemos, es en realidad el resultado de la recopilación de diversos manuscritos; es decir, las tres partes que hoy lo conforman son apenas tres fragmentos de un volumen mayor integrado por varios textos que pertenecieron al propio Ixtlilxóchitl y a Carlos de Sigüenza y Góngora.

La primera parte está integrada por 11 folios pintados por ambos lados que contienen textos y glifos relativos a los dioses, ceremonias y ritos del calendario civil de 18 “meses” o veintenas. Esta sección del Ixtlilxóchitl es probablemente copia de un documento hoy perdido, pues muestra un gran paralelismo con el Códice Magliabecchiano, el Códice Tudela y otros documentos de la época, por lo que al parecer, fueron varios códices los que se hicieron a partir del manuscrito que sirvió de fuente para su elaboración. La segunda parte del Códice Ixtlilxóchitl se compone de seis hojas en papel europeo que contienen pinturas de los gobernantes de Tetzcoco y dibujos del dios Tláloc y del Templo Mayor. Según Patrick Lesbre (1998), las imágenes de los señores tetzcocanos pueden relacionarse con las obras de Francisco Hernández, en tanto que las láminas religiosas fueron tomadas por don Fernando de la relación histórica de Juan Bautista Pomar (1582) y copiados posteriormente, en el siglo XVIII, por Veitia (Doesburg, 1996). La tercera parte está formada por diez hojas escritas por Fernando de Alva Ixtlilxóchitl, y son producto de una copia que él mismo realizó de la obra de fray Bernardino de Sahagún.

La colección entera de manuscritos originales, copias y códices que había logrado reunir Ixtlilxóchitl para escribir sus obras históricas, pasaron a su muerte, acaecida en 1650, a manos de su hijo. Don Luis de Alva Cortés conservó todos los papeles de su padre hasta que falleció en 1681, y entonces la colección pasó a manos de Sigüenza y Góngora, quien había mantenido una estrecha amistad con el hijo del historiador tetzcocano.

Notable historiador, poeta, astrónomo y matemático, Sigüenza y Góngora conservó los códices y documentos hasta su muerte en 1700 y, conforme a su testamento, dejó como heredera de sus manuscritos a la biblioteca del Colegio Máximo de San Pedro y San Pablo de la orden de los jesuitas en la ciudad de México. El Códice Ixtlilxóchitl, así como el resto de la colección, permaneció en esa biblioteca hasta que lo recogió el humanista italiano Lorenzo Boturini Benaduci (1702-1755) durante sus pesquisas para recopilar manuscritos históricos.

(Texto de la revista Arqueología Mexicana)

La Danza de la muerte o danza macabra es un texto que se cree que se representó y bailó en el siglo XIV. Este macabro espectáculo se desarrolló en toda la literatura europea, procedente de Francia. El tema de la muerte dominó la Baja Edad Media, y frente a ella no había resignación cristiana, sino terror ante la pérdida de los placeres terrenales. Presenta, por un lado, una intención religiosa: recordar que los goces del mundo son perecederos y que hay que estar preparado para morir cristianamente; por otro lado, una intención satírica al hacer que todos caigan muertos, con independencia de su edad o su posición social, dado el poder igualatorio de la muerte.

También tuvo expresión artística, mereciendo destacarse los grabados que hicieron Hans Holbein el Viejo (publicados en 1538) y Heinrich Aldegrever (1541).

Su influencia se deja notar en autores españoles posteriores, como la Barca de la Gloria, de Gil Vicente, Diálogo de Mercurio y Carón de Alfonso de Valdés, Farsa llamada Danza de la Muerte de Juan de Pedraza, La farsa de la Muerte de Diego Sánchez de Badajoz, Las Cortes de la Muerte deLuis Hurtado de Mendoza y Coloquio de la Muerte con todas las edades y estados, de Sebastián de Horozco. En el capítulo XI de la segunda parte de El Quijote, Don Quijote y Sancho encuentran a una compañía de cómicos que representan Las Cortes de la Muerte. Finalmente, en el Barroco se encuentran las últimas referencias en los autos de Calderón de la Barca y en los Sueños (1627) de Quevedo.

Así mismo varias piezas musicales (sobre todo del siglo XIX) se vieron influenciadas por la temática de la Danza de la Muerte. Una de las más destacadas es la “Danse Macabre” de Camille Saint-Saëns que toma su nombre del francés. En el poema sinfónico un violín solista tocado alegóricamente por la muerte lleva la voz cantante imponiéndose sobre el resto de instrumentos, representación de los mortales. Otra versión de Franz Liszt traducida del alemán (Totentanz) al francés como Danse Macabre no comparte con la temática nada más que el nombre, pues la obra son unas variaciones del tema medieval del Dies Irae para orquesta y piano concertante.

El hombre medieval estaba familiarizado con la idea de la muerte y la convirtió en motivo artístico. Las danzas de la muerte se representaban en semana santa. Son alegorías de este tema en el que aparecen personas de todas clases sociales y económicas bailando con esqueletos.

Texto de la Wikipedia

“Danse Macabre” de Camille Saint-Saëns para violín y piano:

(Gracias a yuri por la colaboración)

Jacques Callot (Nancy, 1592 – Nancy, 1635) fue un dibujante y grabador barroco del Ducado de Lorena, región entonces independiente y luego anexionada a Francia. Es una de las figuras importantes en la historia del grabado.

Realizó más de 1.400 planchas que suponen un fresco y una crónica del periodo que vivió. Representó a soldados, payasos, gitanos, mendigos, así como vida de la corte. También grabó al aguafuerte muchas imágenes religiosas y militares, y muchas impresiones incluyen paisajes en su fondo. Han sobrevivido 2.000 dibujos y estudios preparatorios para sus estampaciones, pero no se conoce ninguna pintura de su autoría y probablemente nunca ejerció como pintor.

Su aportación al arte del grabado no fue sólo creativa, sino también técnica, pues introdujo el uso de un barniz especial de luthiers para el grabado al aguafuerte. Este barniz, más fiable que la tradicional capa de cera, permitía someter las planchas de cobre a más baños de ácido sin miedo a accidentes que malograsen todo el trabajo. De este modo, el proceso de grabado a aguafuerte pudo abordarse en más pasos intermedios, con mayor riqueza de detalles, igualando a otras técnicas gráficas anteriores (punta seca, buril).

Creó dos famosas series sobre Las miserias de la guerra, inspiradas en los sucesos de la Guerra de los Treinta Años. Su publicación en 1633 coincidió con la ocupación de la Lorena por las tropas francesas; se decía que estos hechos las inspiraron, aunque Callot había empezado a grabar las planchas tiempo antes. Influirían en Los desastres de la guerra de Goya, originalmente llamados “Fatales consecuencias de la sangrienta guerra de España contra Bonaparte”.

Texto de la Wikipedia

(Ver “Los desastres de la guerra” de Goya)